VISEES EDUCATIVES
Savoir, oser communiquer et mettre en jeu sa créativité en
mobilisant son corps autrement.
Réf. Dans les programmes
collège : « mieux se connaître en vivant des expériences variées
et originales, sources d’émotion et de plaisir »
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COMPETENCES
SPECIFIQUES
 Sur une musique donnée, pendant 2 à
3 mn, construire et présenter une chorégraphie collective ( groupes de 4 à 5
élèves maxi) évoquant une ambiance étrange, extraordinaire à partir du thème
de la monstruosité ou du futur, pour surprendre et émouvoir le spectateur.
Réf
programmes 6°
« A
partir de thèmes simples, construire un projet expressif et le mettre en
œuvre dans une démarche de création guidée »
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FORME DE PRATIQUE
OBJET D’ENSEIGNEMENT : Produire des formes corporelles
inhabituelles pour évoquer un thème donné en jouant sur l’espace, le temps,
le mouvement.
SITUATION : La forme de pratique se
doit :
Musiques et thèmes ( monstruosité,
futur ) suffisamment mobilisateurs pour que les élèves aient envie de s’engager
Augmentation progressive de la
charge émotionnelle due au regard du spectateur pour qu’il ose
s’engager
Mettre en jeu 1 motricité proche de
celle du quotidien pour un certain degré de réussite initiale et la
transformer progressivement
groupe de 4 à 5 maxi
espace scénique défini ( à chaque
séance, construire le produit final ds l’espace défini : 5mx5m)
chaque séance s’ajoute vers le
produit final ex : séance 1 pb d’écoute musicale ( définir
l’ambiance / à la musique ; séance 2 pb d’espace + réinvestir
séance1 ; séance 3 pb de vitesse, d’énergie du mouvement…
chaque élève doit passer aux 3 rôles
danseur ( acteur) ; chorégraphe ( créateur) ; spectateur (
observateur)
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OBJECTIFS DE
TRANSFORMATION
(Indicateurs
de début et fin d’étape)
Passer
de……………à………………
1. D’un élève
qui reproduit le réel à l’aide d’idées vagues ou stéréotypées à un élève qui
évoque un univers étrange (monstruosité et/ou futur) par des réponses
corporelles inhabituelles à valeur esthétique et/ou symbolique
2. De j’
effectue globalement les mouvements à j’ai conscience des différents trajets
de mon corps dans l’espace et le temps à chaque instant, de leur
signification et je sais les reproduire
3. De «
quoi faire sans se sentir ridicule » à « comment exprimer des
images, des émotions, des sensations avec le corps »
4. d’un
collectif non organisé et indifférencié quant aux 3 rôles à tenir en
danse(danseur, chorégraphe, spectateur) à un collectif structuré en groupes
de travail investissant plusieurs rôles successivement
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CONTENUS
(Ce qu’il faut
faire pour réussir)
explorer le maximum de possibilités
corporelles, diversifier les réponses pour trouver les formes les +
inattendues, insolites, étranges et jouer sur des contrastes, les
combinaisons des rapports à l’espace, au temps, l’énergie, aux relations
entre danseurs .
Structurer et stabiliser le geste dans ses différents paramètres ( début
et fin, trajet ds l’espace, durée , vitesse, flux, énergie…)
Rendre signifiant ses mouvements
pour communiquer avec le spectateur et le surprendre, en mettant en valeur ce
qu’on a à exprimer ( toujours recadrer par rapport au thème) par :
l’utilisation de l’espace et de l’espace scénique (proche, de déplacement,
topologique(haut ;bas ;rond), symbolique) ex les formes de
regroupement claires et identifiables et les modes de regroupement (se
réunir, s’éloigner, se croiser, se séparer) (entrées et sorties de
scènes) / du temps ( être ensemble, en décalé, en cascade) ( changement
de vitesse du mouvement ) ( utilisation des temps forts de la
musique) : de la théâtralité ( état , personnage…)
être capable de reproduire
fidèlement ses propres mouvements, simultanéité et identité des gestes du
groupe en construisant des repères dans le
temps et l’espace
(quelles parties du corps engagées ds le mouvement ?Quel déroulement
temporel du mouvement ?Dans quelle(s) direction(s) ?selon quel
trajet ?Quelle coordination par rapport aux actions des autres
danseurs ?En relation avec quel(s) repère(s) sonores ou kinesthésiques
ou visuels ?
Pouvoir accepter le regard des
autres sur sa production comme un enrichissement qui permet de repérer les points forts à garder et faibles à
améliorer
Oser s’exprimer avec le corps
Créer, imaginer, accepter les points
de vue de chacun pour aller vers une création commune
En tant que spectateur, décrire les
moments forts et faibles de la danse / au thème et faire émerger des
principes d’efficacité ( coordination temporelle des actions des
danseurs=faire ensemble, en décalé, en cascade ; utilisation de vitesses
de mouvement différentes ; utilisation d’entrées et sorties de
scène ; utilisation de la répétition de certains gestes ; mise en
œuvre de formes de regroupement claires et identifiables ( ligne, cercle,
colonne, carré…)…
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NOTATION
Utilisation
d’une grille de lecture à construire ou reconstruire avec les élèves et
attribution des points en fonction :
début précis qui crée l’atmosphère (0,5+0,5
point)
fin précise qui évoque le thème (0,5+0,5 point)
utilisation, création, mise en place
d’effets évoquant le thème ,qui laissent une trace dans la mémoire du
spectateur et dont il est capable de reparler par la suite ( à la fin de la
prestation, questionnement des différents groupes sur le nombre d’effets
reconnus et retenus) : 5 effets au mieux doivent être reconnus par le
spectateur ( 2 points par effet) : cf les contenus + d’autres…en
fonction de ce qui a été repéré par les élèves
utilisation de différentes séquences
vues au fil des séances que l’on peut rendre obligatoires dans la
chorégraphie
utilisation de l’espace scénique
(devant / milieu / derrière/ hors espace…)
Qualité de la présence
. mémorisation (capacité à reproduire 2 X les mêmes mouvements,
trajets…) jamais /parfois /toujours
.concentration ( pas de gestes parasites,
conserver son sérieux
jamais /parfois /toujours.
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